María José Ojeda | Mao Estudio
María José Ojeda Vargas es una artista costarricense cuya práctica se desarrolla principalmente alrededor de la cerámica, complementada por la exploración de la ilustración y el textil. Su trabajo busca acercar las emociones a la vida cotidiana mediante objetos, personajes y composiciones de carácter lúdico, en los que el color, las imágenes y las palabras se convierten en herramientas para hablar de la experiencia emocional desde un lugar cercano y cotidiano.
A través de piezas que pueden cumplir funciones utilitarias o decorativas, Ojeda busca generar conexiones con quienes las encuentran: provocar una reacción, despertar un recuerdo o simplemente acompañar distintos momentos de la vida diaria. Su lenguaje visual recupera elementos asociados al juego, la creatividad y la imaginación, entendidos como cualidades que pueden conservar un espacio significativo en la vida adulta.
Una parte central de esta exploración se articula alrededor de Mao, su personaje y alter ego. Como figura viajera, Mao atraviesa distintas emociones y experiencias, construyendo un universo visual donde conviven sensibilidad, humor, juego y color. Más que representar una emoción específica, el personaje funciona como un medio para hablar de ellas, reconocerlas y compartirlas. A través de su obra, Ojeda busca que sus piezas habiten los espacios cotidianos, acompañen rutinas y funcionen como pequeños recordatorios de que sentir, imaginar y jugar continúan formando parte de nuestra experiencia.
María José Ojeda Vargas nació el 27 de febrero de 2001 en San Carlos, Costa Rica. Actualmente vive y trabaja en San Pedro, San José, y cursa los últimos años de la carrera de Diseño Plástico con énfasis en Diseño Cerámico en la Universidad de Costa Rica.
Exhibiciones
EXPOSICIONES COLECTIVAS
2026. Cartografías. Galería Francisco Amighetti, San José, Costa Rica. Obras: Cosmo Emocional y Escudilla con Pájaro Carpintero.
2025. Más allá del objeto. Museo Calderón Guardia, San José, Costa Rica. Obra: Cosmo Emocional.
2025. Lenguajes de la arcilla. Cátedra Francisco Amighetti, San José, Costa Rica. Obras: Modulópolis: Un Mundo de Formas y Colores y Juego Ancestral.
2024–2025. Modularis: Abierto de cerámica. San José, Costa Rica. Obra: Modulópolis: Un Mundo de Formas y Colores
Obras disponibles
Elías Obando
Acrílico sobre tela, 2025.
80 × 80 × 2 cm
De la serie “Cuántica: una mirada hacia lo invisible”
Sobre la obra
En las obras de la serie Cuántica, el pintor e investigador Elías Obando busca aproximarse a aquello que permanece parcialmente inaccesible a la experiencia cotidiana: las estructuras que subyacen a lo visible, los procesos de percepción y las relaciones entre materia, observador y realidad.
En esta obra en concreto, Obando aprovecha los márgenes de las distintas exploraciones visuales de la serie Cuántica para crear una nueva composición. Combina diversas técnicas de pintura por goteo para crear una cuadrícula de posibilidades cosmológicas. Esta obra resume el enfoque armonioso de esta serie pictórica.
Elías Obando
Acrílico sobre tela, 2025.
75 × 75 × 2 cm
De la serie “Cuántica: una mirada hacia lo invisible”
Sobre la obra
En las obras de la serie Cuántica, el pintor e investigador Elías Obando busca aproximarse a aquello que permanece parcialmente inaccesible a la experiencia cotidiana: las estructuras que subyacen a lo visible, los procesos de percepción y las relaciones entre materia, observador y realidad.
En esta obra, Obando representa el fenómeno físico del entrelazamiento cuántico. A través de un lenguaje abstracto, el artista construye meticulosas composiciones constituidas por elementos visuales básicos, como el punto, que en conjunción con elecciones armónicas de color, resultan en imágenes que sintetizan simultáneamente aspectos micro y macroscópicos del universo.
Ámbar del Valle
Positivo en yeso de modelado en arcilla con intervención de cartón, 2025
13 × 7 × 20 cm
Sobre la obra
Las obras en pequeño formato por Ámbar Del Valle, demuestran un interés por explorar las posibilidades materiales de la tridimensionalidad. A través de técnicas como el modelado y los moldes, la escultora crea piezas de alta claridad compositiva y les otorga acabados propios de una obra fundida en metal.
En esta pieza compuesta por dos figurillas conjuntas, Ámbar retrata la acción de jugar en una colina a deslizarse sobre un cartón, un recuerdo que marca la infancia de muchas personas. Así, la artista busca generar ese retorno psicológico a momentos cálidos del pasado, inmortalizándolos en sus piezas con acabado que asemeja el de una estatua de bronce.
Jonathan Sánchez
Lápiz y acrílico sobre manta, 2022.
144 × 108 × 2.5 cm
Sobre la obra
Las obras pictóricas de Jonathan Sánchez exploran el espacio intermedio entre el boceto y la obra finalizada; entre la pintura y el dibujo; entre la figuración y la abstracción. En sus retratos figurativos, Sánchez desdobla las figuras retratadas y las posiciona en espacios indeterminados, marcados por el juego surreal de formas y colores que en ocasiones mezcla directamente sobre el canvas.
Lucía Bourne
Intaglio en colografía sobre papel rosaspina, 2022
24 × 18 cm
Serie “Olas” de 2 ejemplares. Disponibles P/U1, y P/U2.
Sobre la obra
Su obra parte del interés por comunicar ideas y emociones mediante la exploración de recursos gráficos, matéricos y procesuales, construyendo un lenguaje que le permite abordar tanto experiencias sociales como preocupaciones vinculadas con el entorno natural.
David Quirós
Acrílico sobre tela, 2019.
50 × 40 cm
Sobre la obra
El trabajo pictórico de David Quirós se articula desde una estética figurativa con tendencia a la deformación, donde la gestualidad adquiere un papel fundamental como recurso expresivo. En la serie Voces Internas, a la cuál pertenece esta obra, Quirós busca representar la intensidad de las emociones y su capacidad de desbordar los límites del cuerpo, lográndolo a través de la distorsión de la figura y el dinamismo de las formas orgánicas.
David Quirós
Acrílico sobre tela, 2019.
48 × 43 cm
Sobre la obra
El trabajo pictórico de David Quirós se articula desde una estética figurativa con tendencia a la deformación, donde la gestualidad adquiere un papel fundamental como recurso expresivo. En la serie Voces Internas, a la cuál pertenece esta obra, Quirós busca representar la intensidad de las emociones y su capacidad de desbordar los límites del cuerpo, lográndolo a través de la distorsión de la figura y el dinamismo de las formas orgánicas.
Angélica Solís
Carboncillo sobre papel, 2025
45.7 × 35.5 cm
Sobre la obra
La artista Angélica Solís explora el autorretrato y los arquetipos de carga esotérica, investigando la relación entre la creación de personajes y la construcción de mundos introspectivos. A través de lo simbólico y lo misterioso, busca propiciar espacios de reflexión que permitan aproximarse a preguntas que trascienden lo visible.
En la serie “Aladas” a la que pertenece esta obra, la artista utiliza autorretratos fotográficos como referencia para investigar lo que llama “mitología personal” ligada a la figura del ángel a la que se ve enlazada por su nombre. Con una cualidad gestual y un trazo libre, la artista se representa a sí misma como un personaje de dicha mitología que carga las alas con una sensación de peso otorgado.
Angélica Solís
Carboncillo sobre papel, 2025
35.5 × 45.7 cm
Sobre la obra
La artista Angélica Solís explora el autorretrato y los arquetipos de carga esotérica, investigando la relación entre la creación de personajes y la construcción de mundos introspectivos. A través de lo simbólico y lo misterioso, busca propiciar espacios de reflexión que permitan aproximarse a preguntas que trascienden lo visible.
En la serie “Aladas” a la que pertenece esta obra, la artista utiliza autorretratos fotográficos como referencia para investigar lo que llama “mitología personal” ligada a la figura del ángel a la que se ve enlazada por su nombre. Con una cualidad gestual y un trazo libre, la artista se representa a sí misma como un personaje de dicha mitología que carga las alas con una sensación de peso otorgado.
Elías Obando
Acrílico sobre tela, 2025.
75 × 75 × 2 cm
Sobre la obra
En las obras de la serie Cuántica, el pintor e investigador Elías Obando busca aproximarse a aquello que permanece parcialmente inaccesible a la experiencia cotidiana: las estructuras que subyacen a lo visible, los procesos de percepción y las relaciones entre materia, observador y realidad.
En esta obra, Obando representa el principio físico de incertidumbre de Heisenberg. A través de un lenguaje abstracto construye meticulosas composiciones constituidas por elementos visuales básicos, como el punto, que en conjunción con elecciones armónicas de color, resultan en imágenes que sintetizan simultáneamente aspectos micro y macroscópicos del universo.
Elías Obando
Acrílico sobre tela, 2025.
80 × 80 × 2 cm
Sobre la obra
En las obras de la serie Cuántica, el pintor e investigador Elías Obando busca aproximarse a aquello que permanece parcialmente inaccesible a la experiencia cotidiana: las estructuras que subyacen a lo visible, los procesos de percepción y las relaciones entre materia, observador y realidad.
A través de un lenguaje abstracto construye meticulosas composiciones constituidas por elementos visuales básicos, como el punto, que en conjunción con elecciones armónicas de color, resultan en imágenes que sintetizan simultáneamente aspectos micro y macroscópicos del universo.
Eimy Navarro
Acrílico sobre galleta de madera, 2026
15,5 × 16 cm
Sobre esta obra
Esta pieza de carácter lúdico representa a un personaje imaginario del repertorio de personajes originales de la artista, posando con una mariquita sobre la nariz. Aunque la identidad del personaje no posee un significado particular, la mariquita forma parte de un lenguaje visual recurrente en la obra de Navarro.
Navarro aborda las emociones humanas a través de la metáfora de un jardín, donde las personas actúan como jardineras que cultivan y cosechan los frutos de sus experiencias. Las criaturas que habitan este jardín representan distintas facetas de la vida humana: las mariposas, por ejemplo, suelen encarnar los sueños, mientras que las mariquitas evocan una paradoja entre ternura y ferocidad. A pesar de su apariencia delicada, son depredadoras naturales utilizadas para controlar plagas. A partir de este contraste, Navarro las asocia con la resiliencia, la fortaleza y la capacidad de responder ante la adversidad.
Eimy Navarro
Acrílico sobre canvas de algodón, 2026
20 × 20 cm
Sobre esta obra
El concepto detrás de esta pintura fue el de imaginar que, al acercarse a contemplar una flor entre los arbustos, esta te devuelve la mirada. La artista quizo capturar los detalles de la naturaleza, las hojas alrededor, las motas de polvo, el polen en el aire, una mariposa posándose sobre la flor, y sobre todo los grandes ojos de la flor que miran hacia el espectador con una expresión de tímido interés.
Ámbar del Valle
Positivo de yeso de original modelado, con base de madera y pedestal metálico, acabado en pátina metalizada de pintura acrílic, 2024
7 × 10 × 3.5 cm
Sobre la obra
Las obras en pequeño formato por Ámbar Del Valle, demuestran un interés por explorar las posibilidades materiales de la tridimensionalidad. A través de técnicas como el modelado y los moldes, la escultora crea piezas de alta claridad compositiva y les otorga acabados propios de una obra fundida en metal. A nivel temático, la artista posee un particular interés por las artes escénicas circenses, marcado por recuerdos infantes de asombro al observar artistas del Cirque Du Soleil. A menudo sus piezas utilizan esta inspiración para experimentar con los límites físicos de la forma, a través del dramatismo y la anatomía.
Jonathan Sánchez
Acrílico sobre tela, 2025.
144 × 147 × 2.5 cm
Sobre la obra
Las obras pictóricas de Jonathan Sánchez exploran el espacio intermedio entre el boceto y la obra finalizada; entre la pintura y el dibujo; entre la figuración y la abstracción. En sus retratos figurativos, Sánchez desdobla las figuras retratadas y las posiciona en espacios indeterminados, marcados por el juego surreal de formas y colores que en ocasiones mezcla directamente sobre el canvas.
Lucía Bourne
Aguatinta y gofrado sobre papel acuarela, 2021
25 × 18 cm
Serie “Perdida” de 3 ejemplares. Disponibles 1/3, 3/3 y 2 monotipias.
Sobre la obra
Uno de los principales ejes de investigación de Lucía Bourne se relaciona con las dinámicas de género, los derechos de las mujeres y las estructuras sociales que atraviesan la experiencia cotidiana. A través de su producción, Bourne explora estas problemáticas desde una perspectiva crítica, utilizando la imagen como herramienta para reflexionar sobre las relaciones humanas y las condiciones que configuran la vida en sociedad.
Lucía Bourne
Aguatinta y aguafuerte a dos colores sobre papel acuarela, 2021
24 × 18 cm
Serie “Cuerpa” de 2 ejemplares. Disponibles 2/2, Prueba de artista y 3 Pruebas únicas intervenidas
Sobre la obra
Uno de los principales ejes de su investigación se relaciona con las dinámicas de género, los derechos de las mujeres y las estructuras sociales que atraviesan la experiencia cotidiana. A través de su producción, Bourne explora estas problemáticas desde una perspectiva crítica, utilizando la imagen como herramienta para reflexionar sobre las relaciones humanas y las condiciones que configuran la vida en sociedad.
David Quirós
Acrílico sobre tela, 2019.
48 × 43 cm
Sobre la obra
El trabajo pictórico de David Quirós se articula desde una estética figurativa con tendencia a la deformación, donde la gestualidad adquiere un papel fundamental como recurso expresivo. En la serie Voces Internas, a la cuál pertenece esta obra, Quirós busca representar la intensidad de las emociones y su capacidad de desbordar los límites del cuerpo, lográndolo a través de la distorsión de la figura y el dinamismo de las formas orgánicas.
David Quirós
Acrílico sobre tela, 2019.
49 × 37 cm
Sobre la obra
El trabajo pictórico de David Quirós se articula desde una estética figurativa con tendencia a la deformación, donde la gestualidad adquiere un papel fundamental como recurso expresivo. En la serie Voces Internas, a la cuál pertenece esta obra, Quirós busca representar la intensidad de las emociones y su capacidad de desbordar los límites del cuerpo, lográndolo a través de la distorsión de la figura y el dinamismo de las formas orgánicas.
Fátima Retana
Cerámica con esmalte de baja temperatura, 2023
10.5 × 9.5 × 9.5 cm
Sobre la obra
Se trata de una pieza funcional inspirada en los elementos naturales presentes en los paisajes típicos de Costa Rica, como las montañas y la selva tropical. La pieza se titula «Vasija Tierra», ya que las características de su diseño evocan el color de la tierra.
Esta pieza puede utilizarse como recipiente decorativo, como maceta decorativa o incluso como objeto funcional en la cocina, ya que su acabado esmaltado de cerámica resiste tanto el calor como el frío.
Fátima Retana
Cerámica vidriada en cono 4, 2024
9,5 × 13 × 13 cm
Sobre la obra
Se trata de una pieza funcional inspirada en los elementos naturales presentes en los paisajes típicos de Costa Rica, como las montañas, la selva tropical y los animales que la habitan. La pieza se titula «Caldero Sapo», ya que las características de su diseño evocan la forma de una rana de la selva tropical, de cuerpo corto y ancho, muy común en el país.
Esta pieza puede utilizarse como recipiente decorativo, como maceta decorativa o incluso como objeto funcional en la cocina, ya que su acabado esmaltado de cerámica resiste tanto el calor como el frío.
Mariana Odio
Aguafuerte, aguatinta y barniz al azúcar en hierro, 2023
22,5 × 20 cm
Edición variable
Laura Borge
Cerámica con acabado en esmaltes a baja temperatura, 2024
32 × 19 × 1.5 cm
Sobre la obra
Esta serie de piezas continúa la exploración de la artista Laura Borge en torno a la sirena como figura liminal entre lo humano y lo natural, en este caso representadas en una variedad de colores y como piezas de pared.
Giulianna Borge
Punta Seca, 2024
18.4 × 11 cm
Serie “Estos podríamos ser nosotros” de 10 ejemplares. Disponibles 1/10-10/10
Sobre la obra
Giuliana Borge se interesa en el universo de los obsequios y gestos sentimentales que circulan en las relaciones personales, como cartas adornadas, recuerdos y pequeños detalles cargados de afecto. A través de sus creaciones, Borge busca reivindicar este lenguaje visual como genuinas expresiones de afecto y conexión humana, históricamente relegadas a un segundo plano por su categorización como excesivamente sentimentales y propias de lo femenino.
Daniel Abarca
Cerámica roja de alta temperatura con acabados en engobes y esmaltes de baja temperatura, 2021
30 × 30 × 30 cm
Sobre la obra
La escultura representa una rata con una máscara de gas, símbolo de supervivencia en entornos hostiles. La rata, históricamente vista como plaga, se convierte así en un reflejo de la humanidad misma: adaptable, resilente, pero también destructiva. La máscara de gas sugiere un mundo contaminado, una crisis provocada por nuestra propia existencia. Ser plaga es más que una condena; es una advertencia. ¿Somos víctimas del entorno o los causantes de su deterioro? La figura muta entre lo marginal y lo dominante, lo rechazado y lo inevitable. Esta escultura nos enfrenta a la incomodidad de reconocernos en lo que despreciamos."
Daniel Abarca
Cerámica roja de alta temperatura con acabados en óxidos de hierro a cono 4, 2022
22 × 22 × 20 cm
Sobre la obra
Esta pieza desafía los límites entre lo sagrado y lo profano, lo normativo y lo transgresor. Un símbolo de libertad frente a las estructuras que históricamente han reprimido el deseo y la identidad. La pieza cuestiona la noción de pureza impuesta por la religión, confrontando el cuerpo como territorio de pecado y redención. La monja, lejos de ser un ícono de castidad, se convierte en un emblema de autonomía, espiritualidad y goce propio. Su existencia es un acto de resistencia, una ruptura con la moral impuesta, donde la identidad y el placer dejan de ser condena para convertirse en celebración.
Eimy Navarro
Aguafuerte y aguatinta, 2021
14.6 × 20.3 cm
Edición de 6 ejemplares
Sobre esta obra
La práctica artística de Eimy Navarro explora las intersecciones entre la mitología, la religión y las dimensiones emocionales y simbólicas de la experiencia humana, con especial atención a la representación de la mujer en las iconografías sagradas y míticas.
En esta pieza, la artista representa a “Lola” la vaquita de naturaleza coqueta y misteriosa. Un personaje que encarna elementos de mujer y de bóvido, ligándola a la figura mitológica del minotauro desde una perspectiva opuesta: Lola no es violenta, ni se deja llevar por el instinto; Lola no está encerrada en un laberinto, es un ser libre y disfruta su existencia.
Laura Borge
Cerámica con acabado en curioles a baja temperatura, con accesorios de tela, lana y foam, 2023
30 × 8 × 5 cm
0.29 kg
Sobre la obra
Las Yalitas son muñecas cerámicas que integran la expresión artística de su autora, la artista cerámica y escultora Laura Borge, con la sostenibilidad en una búsqueda por reducir el uso del plástico, reutilizar materiales y revitalizar la tradición artesanal de las muñecas que eran diseñadas y creadas utilizando arcilla.
Estas piezas son esculturas cerámicas ensambladas y articuladas, con cualidades personalizables como la complexión, el cabello, los rasgos faciales y la indumentaria, todo creado de forma artesanal. Estas muñecas poseen una expresión serena y natural, acercando la experiencia del juego a la identidad de las personas usuarias del objeto, y a su vez, rompiendo el paradigma de belleza globalizada instaurado en los juguetes contemporáneos.
Paúl Ugalde, 2025
Fotografía digital a blanco y negro
16,7 × 25 cm
De la serie "Vacas”
Sobre la obra
Paúl Ugalde realiza su trabajo fotográfico desde una dinámica lúdica con la luz, enfocándose en temáticas cotidianas para dar protagonismo a la forma en que la luz puede crear una escena. Su serie “Vacas” presenta una mirada de los animales como sujeto en diálogo con el entorno que habitan, capturados en iluminación natural que le otorga un aire poético a las imágenes.