Camila Fernández
Camila Fernández es una artista visual costarricense cuya práctica explora las posibilidades expresivas del color y su capacidad para influir en la experiencia del espectador. A través de la construcción de escenas e imágenes, investiga cómo la combinación de elementos visuales puede despertar sensaciones y emociones, invitando a detenerse y descubrir las posibilidades expresivas de aquello que se observa.
Su trabajo parte del interés por la relación entre la imagen y la experiencia emocional, prestando atención a cómo el color y la composición pueden transformar la percepción de una escena. Más que proponer interpretaciones complejas o dirigir una lectura específica, Fernández busca generar encuentros espontáneos con sus imágenes, donde el disfrute, la curiosidad y la posibilidad de sonreír adquieren un valor propio. Desde esta perspectiva, la creación artística se convierte en una forma de compartir experiencias positivas y encontrar nuevas maneras de relacionarse con el entorno visual cotidiano.
Camila Fernández nació en 2003 en Aguacaliente, Cartago, Costa Rica. Actualmente cursa Diseño Plástico con énfasis en Diseño Pictórico en la Universidad de Costa Rica.Angélica Solís nació en San José, Costa Rica, en 1996. Obtuvo una licenciatura en Diseño Pictórico en la Universidad de Costa Rica.
Exhibiciones
EXPOSICIONES COLECTIVAS
2026. Belleza exhuberante: El Chirripó y otros paisajes, Galería Nini Sesia. San José, Costa Rica.
2026. Más allá de las nubes: Paisajes del Cerro Chirripó, Galería El Portón Rojo. San José, Costa Rica.
2026. Detrás del pincel, Casa Jiménez Sancho, Universidad Nacional Estatal a Distancia. San José, Costa Rica.
2025. Exhibición estudiantil de Diseño Pictórico, Galería Francisco Amighetti, Universidad de Costa Rica. San José, Costa Rica.
Obras disponibles
Elías Obando
Acrílico sobre tela, 2025.
80 × 80 × 2 cm
Sobre la obra
En las obras de la serie Cuántica, el pintor e investigador Elías Obando busca aproximarse a aquello que permanece parcialmente inaccesible a la experiencia cotidiana: las estructuras que subyacen a lo visible, los procesos de percepción y las relaciones entre materia, observador y realidad.
A través de un lenguaje abstracto construye meticulosas composiciones constituidas por elementos visuales básicos, como el punto, que en conjunción con elecciones armónicas de color, resultan en imágenes que sintetizan simultáneamente aspectos micro y macroscópicos del universo.
Eimy Navarro
Acrílico sobre galleta de madera, 2026
15,5 × 16 cm
Sobre esta obra
Esta pieza de carácter lúdico representa a un personaje imaginario del repertorio de personajes originales de la artista, posando con una mariquita sobre la nariz. Aunque la identidad del personaje no posee un significado particular, la mariquita forma parte de un lenguaje visual recurrente en la obra de Navarro.
Navarro aborda las emociones humanas a través de la metáfora de un jardín, donde las personas actúan como jardineras que cultivan y cosechan los frutos de sus experiencias. Las criaturas que habitan este jardín representan distintas facetas de la vida humana: las mariposas, por ejemplo, suelen encarnar los sueños, mientras que las mariquitas evocan una paradoja entre ternura y ferocidad. A pesar de su apariencia delicada, son depredadoras naturales utilizadas para controlar plagas. A partir de este contraste, Navarro las asocia con la resiliencia, la fortaleza y la capacidad de responder ante la adversidad.
Eimy Navarro
Acrílico sobre canvas de algodón, 2026
20 × 20 cm
Sobre esta obra
El concepto detrás de esta pintura fue el de imaginar que, al acercarse a contemplar una flor entre los arbustos, esta te devuelve la mirada. La artista quizo capturar los detalles de la naturaleza, las hojas alrededor, las motas de polvo, el polen en el aire, una mariposa posándose sobre la flor, y sobre todo los grandes ojos de la flor que miran hacia el espectador con una expresión de tímido interés.
Ámbar del Valle
Positivo de yeso de original modelado, con base de madera y pedestal metálico, acabado en pátina metalizada de pintura acrílic, 2024
7 × 10 × 3.5 cm
Sobre la obra
Las obras en pequeño formato por Ámbar Del Valle, demuestran un interés por explorar las posibilidades materiales de la tridimensionalidad. A través de técnicas como el modelado y los moldes, la escultora crea piezas de alta claridad compositiva y les otorga acabados propios de una obra fundida en metal. A nivel temático, la artista posee un particular interés por las artes escénicas circenses, marcado por recuerdos infantes de asombro al observar artistas del Cirque Du Soleil. A menudo sus piezas utilizan esta inspiración para experimentar con los límites físicos de la forma, a través del dramatismo y la anatomía.
Jonathan Sánchez
Acrílico sobre tela, 2025.
144 × 147 × 2.5 cm
Sobre la obra
Las obras pictóricas de Jonathan Sánchez exploran el espacio intermedio entre el boceto y la obra finalizada; entre la pintura y el dibujo; entre la figuración y la abstracción. En sus retratos figurativos, Sánchez desdobla las figuras retratadas y las posiciona en espacios indeterminados, marcados por el juego surreal de formas y colores que en ocasiones mezcla directamente sobre el canvas.
Lucía Bourne
Aguatinta y gofrado sobre papel acuarela, 2021
25 × 18 cm
Serie “Perdida” de 3 ejemplares. Disponibles 1/3, 3/3 y 2 monotipias.
Sobre la obra
Uno de los principales ejes de investigación de Lucía Bourne se relaciona con las dinámicas de género, los derechos de las mujeres y las estructuras sociales que atraviesan la experiencia cotidiana. A través de su producción, Bourne explora estas problemáticas desde una perspectiva crítica, utilizando la imagen como herramienta para reflexionar sobre las relaciones humanas y las condiciones que configuran la vida en sociedad.
Lucía Bourne
Aguatinta y aguafuerte a dos colores sobre papel acuarela, 2021
24 × 18 cm
Serie “Cuerpa” de 2 ejemplares. Disponibles 2/2, Prueba de artista y 3 Pruebas únicas intervenidas
Sobre la obra
Uno de los principales ejes de su investigación se relaciona con las dinámicas de género, los derechos de las mujeres y las estructuras sociales que atraviesan la experiencia cotidiana. A través de su producción, Bourne explora estas problemáticas desde una perspectiva crítica, utilizando la imagen como herramienta para reflexionar sobre las relaciones humanas y las condiciones que configuran la vida en sociedad.
David Quirós
Acrílico sobre tela, 2019.
48 × 43 cm
Sobre la obra
El trabajo pictórico de David Quirós se articula desde una estética figurativa con tendencia a la deformación, donde la gestualidad adquiere un papel fundamental como recurso expresivo. En la serie Voces Internas, a la cuál pertenece esta obra, Quirós busca representar la intensidad de las emociones y su capacidad de desbordar los límites del cuerpo, lográndolo a través de la distorsión de la figura y el dinamismo de las formas orgánicas.
David Quirós
Acrílico sobre tela, 2019.
49 × 37 cm
Sobre la obra
El trabajo pictórico de David Quirós se articula desde una estética figurativa con tendencia a la deformación, donde la gestualidad adquiere un papel fundamental como recurso expresivo. En la serie Voces Internas, a la cuál pertenece esta obra, Quirós busca representar la intensidad de las emociones y su capacidad de desbordar los límites del cuerpo, lográndolo a través de la distorsión de la figura y el dinamismo de las formas orgánicas.
Fátima Retana
Cerámica con esmalte de baja temperatura, 2023
10.5 × 9.5 × 9.5 cm
Sobre la obra
Se trata de una pieza funcional inspirada en los elementos naturales presentes en los paisajes típicos de Costa Rica, como las montañas y la selva tropical. La pieza se titula «Vasija Tierra», ya que las características de su diseño evocan el color de la tierra.
Esta pieza puede utilizarse como recipiente decorativo, como maceta decorativa o incluso como objeto funcional en la cocina, ya que su acabado esmaltado de cerámica resiste tanto el calor como el frío.
Fátima Retana
Cerámica vidriada en cono 4, 2024
9,5 × 13 × 13 cm
Sobre la obra
Se trata de una pieza funcional inspirada en los elementos naturales presentes en los paisajes típicos de Costa Rica, como las montañas, la selva tropical y los animales que la habitan. La pieza se titula «Caldero Sapo», ya que las características de su diseño evocan la forma de una rana de la selva tropical, de cuerpo corto y ancho, muy común en el país.
Esta pieza puede utilizarse como recipiente decorativo, como maceta decorativa o incluso como objeto funcional en la cocina, ya que su acabado esmaltado de cerámica resiste tanto el calor como el frío.
Mariana Odio
Aguafuerte, aguatinta y barniz al azúcar en hierro, 2023
22,5 × 20 cm
Edición variable
Laura Borge
Cerámica con acabado en esmaltes a baja temperatura, 2024
32 × 19 × 1.5 cm
Sobre la obra
Esta serie de piezas continúa la exploración de la artista Laura Borge en torno a la sirena como figura liminal entre lo humano y lo natural, en este caso representadas en una variedad de colores y como piezas de pared.
Giulianna Borge
Punta Seca, 2024
18.4 × 11 cm
Serie “Estos podríamos ser nosotros” de 10 ejemplares. Disponibles 1/10-10/10
Sobre la obra
Giuliana Borge se interesa en el universo de los obsequios y gestos sentimentales que circulan en las relaciones personales, como cartas adornadas, recuerdos y pequeños detalles cargados de afecto. A través de sus creaciones, Borge busca reivindicar este lenguaje visual como genuinas expresiones de afecto y conexión humana, históricamente relegadas a un segundo plano por su categorización como excesivamente sentimentales y propias de lo femenino.
Daniel Abarca
Cerámica roja de alta temperatura con acabados en engobes y esmaltes de baja temperatura, 2021
30 × 30 × 30 cm
Sobre la obra
La escultura representa una rata con una máscara de gas, símbolo de supervivencia en entornos hostiles. La rata, históricamente vista como plaga, se convierte así en un reflejo de la humanidad misma: adaptable, resilente, pero también destructiva. La máscara de gas sugiere un mundo contaminado, una crisis provocada por nuestra propia existencia. Ser plaga es más que una condena; es una advertencia. ¿Somos víctimas del entorno o los causantes de su deterioro? La figura muta entre lo marginal y lo dominante, lo rechazado y lo inevitable. Esta escultura nos enfrenta a la incomodidad de reconocernos en lo que despreciamos."
Daniel Abarca
Cerámica roja de alta temperatura con acabados en óxidos de hierro a cono 4, 2022
22 × 22 × 20 cm
Sobre la obra
Esta pieza desafía los límites entre lo sagrado y lo profano, lo normativo y lo transgresor. Un símbolo de libertad frente a las estructuras que históricamente han reprimido el deseo y la identidad. La pieza cuestiona la noción de pureza impuesta por la religión, confrontando el cuerpo como territorio de pecado y redención. La monja, lejos de ser un ícono de castidad, se convierte en un emblema de autonomía, espiritualidad y goce propio. Su existencia es un acto de resistencia, una ruptura con la moral impuesta, donde la identidad y el placer dejan de ser condena para convertirse en celebración.
Eimy Navarro
Aguafuerte y aguatinta, 2021
14.6 × 20.3 cm
Edición de 6 ejemplares
Sobre esta obra
La práctica artística de Eimy Navarro explora las intersecciones entre la mitología, la religión y las dimensiones emocionales y simbólicas de la experiencia humana, con especial atención a la representación de la mujer en las iconografías sagradas y míticas.
En esta pieza, la artista representa a “Lola” la vaquita de naturaleza coqueta y misteriosa. Un personaje que encarna elementos de mujer y de bóvido, ligándola a la figura mitológica del minotauro desde una perspectiva opuesta: Lola no es violenta, ni se deja llevar por el instinto; Lola no está encerrada en un laberinto, es un ser libre y disfruta su existencia.
Laura Borge
Cerámica con acabado en curioles a baja temperatura, con accesorios de tela, lana y foam, 2023
30 × 8 × 5 cm
0.29 kg
Sobre la obra
Las Yalitas son muñecas cerámicas que integran la expresión artística de su autora, la artista cerámica y escultora Laura Borge, con la sostenibilidad en una búsqueda por reducir el uso del plástico, reutilizar materiales y revitalizar la tradición artesanal de las muñecas que eran diseñadas y creadas utilizando arcilla.
Estas piezas son esculturas cerámicas ensambladas y articuladas, con cualidades personalizables como la complexión, el cabello, los rasgos faciales y la indumentaria, todo creado de forma artesanal. Estas muñecas poseen una expresión serena y natural, acercando la experiencia del juego a la identidad de las personas usuarias del objeto, y a su vez, rompiendo el paradigma de belleza globalizada instaurado en los juguetes contemporáneos.
Laura Borge
Cerámica con acabado en esmaltes y óxido de hierro a media temperatura, 2022
15 × 17 × 62 cm
Sobre la obra
Esta obra reflexiona sobre los recuerdos de infancia de la artista Laura Borge, a través de un autorretrato surrealista en el que se representa a sí misma dentro de una vaina del árbol de cojoba. De niña, a Laura le fascinaban sus frutos de un rojo intenso, que encierran semillas negras y brillantes y que se convirtieron en objetos de juego e imaginación.
La obra surgió al darse cuenta de que estos árboles habían desaparecido casi por completo de los paisajes de su infancia, lo que impregna la imagen de un profundo sentimiento de nostalgia. La expresión serena de la figura refuerza aún más la tranquila reflexión de la obra sobre la memoria, la pérdida y la presencia perdurable de un sitio y sus cualidades en la identidad personal.
Ale Marín
Colografía sobre papel fabriano, 2023.
23 × 15.5 cm
Edición: Prueba única.
Sobre la obra
Entre 2020 y 2023, la obra de Ale Marin se centró en la crisis del cambio climático desde su propio punto de vista. La mayoría de las piezas creadas en este periodo tenían un tono autorreflexivo y, a menudo, incluían la propia figura del artista como parte de la representación, equiparando la angustia de la ansiedad con el estado de la naturaleza.
Ale crea obras introspectivas con el fin de explorar sus sentimientos, emociones y experiencias. Muchas de sus obras actuales giran en torno a la idea de la transformación, el cambio y la evolución.
«Volcánica V» forma parte de una serie de grabados en colografía que transmiten la energía de una explosión cromática —cualidad de la que la serie toma su nombre—, generando paisajes de estética abstracta, a la vez que vinculados a la psique del artista.
Ale Marín
Colografía sobre papel fabriano, 2023.
23 × 15.5 cm
Edición: Prueba única.
Sobre la obra
Entre 2020 y 2023, la obra de Ale Marin se centró en la crisis del cambio climático desde su propio punto de vista. La mayoría de las piezas creadas en este periodo tenían un tono autorreflexivo y, a menudo, incluían la propia figura del artista como parte de la representación, equiparando la angustia de la ansiedad con el estado de la naturaleza.
Ale crea obras introspectivas con el fin de explorar sus sentimientos, emociones y experiencias. Muchas de sus obras actuales giran en torno a la idea de la transformación, el cambio y la evolución.
«Volcánica III» forma parte de una serie de grabados en colografía que transmiten la energía de una explosión cromática —cualidad de la que la serie toma su nombre—, generando paisajes de estética abstracta, a la vez que vinculados a la psique del artista.
Ale Marín
Colografía sobre papel fabriano, 2023.
23 × 15.5 cm
Edición: Prueba única.
Sobre la obra
Entre 2020 y 2023, la obra de Ale Marin se centró en la crisis del cambio climático desde su propio punto de vista. La mayoría de las piezas creadas en este periodo tenían un tono autorreflexivo y, a menudo, incluían la propia figura del artista como parte de la representación, equiparando la angustia de la ansiedad con el estado de la naturaleza.
Ale crea obras introspectivas con el fin de explorar sus sentimientos, emociones y experiencias. Muchas de sus obras actuales giran en torno a la idea de la transformación, el cambio y la evolución.
«Volcánica I» forma parte de una serie de grabados en colografía que transmiten la energía de una explosión cromática —cualidad de la que la serie toma su nombre—, generando paisajes de estética abstracta, a la vez que vinculados a la psique del artista.
Mónica Lemaitre
Acrílico sobre canva, 2024.
13 × 13 cm
Serie: Juguetes T2K
Sobre la obra:
Mónica Lemaitre se enfoca en la infancia, sus experiencias, colores y objetos, esta obra representa el adorable juguete que muchas personas tuvieron en sus años de niñez. Como un ejercicio de nostalgia, esta serie de cuadros nos hace viajar al pasado, a cuando éramos jóvenes, inocentes y juguetones. Estas mismas características se reflejan en cada una de las obras de la serie. El pequeño tamaño del cuadro también es intencionado. La artista busca que la obra sea un retrato de nuestro pasado, un recuerdo íntimo de nuestras alegrías infantiles.
Giulianna Borge
Aguafuerte y aguatinta, 2025
18 × 14.9 cm
Serie “Estos podríamos ser nosotros” de 10 ejemplares. Disponibles 2/10-10/10
Sobre la obra
Giuliana Borge se interesa en el universo de los obsequios y gestos sentimentales que circulan en las relaciones personales, como cartas adornadas, recuerdos y pequeños detalles cargados de afecto. A través de sus creaciones, Borge busca reivindicar este lenguaje visual como genuinas expresiones de afecto y conexión humana, históricamente relegadas a un segundo plano por su categorización como excesivamente sentimentales y propias de lo femenino.
Giulianna Borge
Aguafuerte y aguatinta sobre papel, 2024
32.1 × 26.7 cm
Serie “Donde siempre me esperan” de 5 ejemplares. Disponibles 2/5 - 5/5
Sobre la obra
Giuliana Borge se interesa en el universo de los obsequios y gestos sentimentales que circulan en las relaciones personales, como cartas adornadas, recuerdos y pequeños detalles cargados de afecto. Sus piezas buscan reivindicar estas imágenes como demostraciones genuinas de afecto y signos de conexión humana.
Rolande
Acrílico sobre canvas
Ca. 1990-2000
75 × 60 × 2.5 cm
Sobre la obra
Con una paleta brillante y atrevida, Rolande fusiona lo abstracto con lo figurativo, creando un género que encaja tanto en los espacios cosmopolitas de París y Nueva York como en los retiros tropicales junto al mar. La obra de Rolande es a la vez meditativa y lúdica: sus colores desbordan una celebración alegre y pacífica de nuestro mundo.
Rolande
Acrílico sobre canvas
Ca. 1990-2000
66 × 107 × 2.5 cm
Sobre la obra
Con una paleta brillante y atrevida, Rolande fusiona lo abstracto con lo figurativo, creando un género que encaja tanto en los espacios cosmopolitas de París y Nueva York como en los retiros tropicales junto al mar. La obra de Rolande es a la vez meditativa y lúdica: sus colores desbordan una celebración alegre y pacífica de nuestro mundo.
Elías Obando
Acrílico sobre tela, 2025.
75 × 75 × 2 cm
Sobre la obra
En las obras de la serie Cuántica, el pintor e investigador Elías Obando busca aproximarse a aquello que permanece parcialmente inaccesible a la experiencia cotidiana: las estructuras que subyacen a lo visible, los procesos de percepción y las relaciones entre materia, observador y realidad.
En esta obra, Obando representa el principio físico de incertidumbre de Heisenberg. A través de un lenguaje abstracto construye meticulosas composiciones constituidas por elementos visuales básicos, como el punto, que en conjunción con elecciones armónicas de color, resultan en imágenes que sintetizan simultáneamente aspectos micro y macroscópicos del universo.